Le genre du minimalisme se révèle dans diverses formes d'art : peinture, musique et littérature. Il est né dans les années 60 du XXe siècle et est né en réponse à l'expressionnisme abstrait. Les minimalistes ont essayé de s'éloigner des caractéristiques expressives de l'expressionnisme abstrait, car ils considéraient ces œuvres trop pompeuses, minimisant l'essence de l'art lui-même. Au contraire, les artistes du genre minimaliste ont essayé de créer une image à partir de lignes et de figures simples. Le minimalisme se caractérise par l'interprétation des œuvres à travers les yeux du spectateur. Surtout pour cette œuvre d'art, tous les objets complexes, les moyens d'expression de soi, les biographies et les programmes sociaux sont supprimés. Le spectateur devrait voir l'image telle qu'elle est vraiment : pleine de beauté vierge et d'honnêteté.
En raison de l'accent mis sur les éléments de base, le genre du minimalisme était connu sous le nom d'art ABC. La plupart des minimalistes les plus en vue étaient des sculpteurs, mais le minimalisme était également répandu dans le Land Art, une émanation du genre visant à créer de l'art sous la forme de paysages, essentiellement une branche de l'aménagement paysager.
Le minimalisme est également axé sur le mouvement de la lumière et de l'espace, mais de nombreux artistes de ce genre essaient de représenter le vide dans leurs œuvres.
On croyait que le minimalisme était originaire d'Asie. Pour le travail de nombreux artistes occidentaux, comme en témoigne Agnes Martin, le bouddhisme zen a eu un impact énorme. La grande masse des artistes minimalistes a été influencée par le concept de « vide » emprunté aux écritures hindoues. Mono-ha était l'un des plus grands mouvements minimalistes d'Asie. C'était le premier mouvement d'art contemporain du Japon reconnu internationalement. Mono-ha, également appelé « l'école des choses », est né au milieu des années 60 du XXe siècle, puis est devenu un mouvement artistique innovant. Ce groupe était dirigé par Li Ufang et Nobuo Sekine. C'est la seule association qui positionne ses activités comme des activités « non créatives ». Ces groupes rejetaient les idées traditionnelles de représentation. Leur désir était de révéler le monde en interagissant avec les matériaux et leurs propriétés, à l'image de la tendance occidentale du minimalisme.
Nous proposons de visualiser les œuvres les plus célèbres de l'art minimaliste, en soulignant l'appartenance à ce genre. Vous serez également présenté avec des peintures et des sculptures qui détruisent les idées traditionnelles sur l'art en général, car elles ont effacé les différences entre elles.
Frank Stella « Bannières vers le ciel ! » (1995)
Frank Stella, en tant que peintre, sculpteur et graveur, est considéré comme l'un des artistes américains les plus influents vivant aujourd'hui. Ses peintures, pleines de rayures, ainsi que d'estampes grandioses, ont révolutionné non seulement le monde du minimalisme, mais aussi l'abstraction. L'auteur note que la plus grande influence sur son travail a été fournie par les artistes abstraits Pollock et Klein. Mais par la volonté du destin, Frank Stella est devenu l'un des pères fondateurs du minimalisme.
« Bannières levées ! » nommé d'après la chanson de marche des nazis, mais tout sauf le nom de l'image ne semble avoir aucun sens. Cette œuvre fait partie d'un vaste cycle d'œuvres sombres de Stella. Les lignes claires, bien visibles sur la photo, ne sont qu'une toile non traitée laissée parmi de larges rayures noires. Cette œuvre monochrome est l'une des peintures les plus célèbres pour défier le mouvement abstrait.
Robert Morris, Sans titre (Miroir Cubes) (1965/71)
"Untitled (Mirror Cubes)" de Robert Morris le révèle non seulement comme le créateur du genre minimaliste, mais aussi conceptuel. L'auteur est tombé sur de grandes boîtes grises en contreplaqué et utilisées comme décorations alors qu'il se produisait encore avec une compagnie de ballet. Dans son travail, il a recouvert ces boîtes de miroirs, modifiant ainsi le mode de perception, ajoutant de nouvelles propriétés visuelles à de simples cubes gris. La composition vise l'interaction directe du spectateur avec l'objet : marchant entre les cubes en miroir, les spectateurs se heurtent involontairement à eux-mêmes et restent comme seuls avec leurs pensées, mais seuls avec tout le monde. L'acte d'admirer une œuvre d'art est soudain interrompu par l'acte de chercher. C'est sur cette base que s'opère « l'invasion » de l'espace de la galerie. Une personne commence à ressentir la présence de l'art au-delà du visible.
Agnès Martin, Retour au monde (1997)
Agnes Martin a peint des tableaux qui ne représentaient en aucune façon des objets, mais leurs noms soulignaient le charme puissant de la nature. Le travail de Martin a été reconnu par une grille qui combine minimalisme et palette de couleurs. La grille a été utilisée pour organiser l'espace de la toile. Elle a aidé à créer une variété infinie d'œuvres apaisantes dans des combinaisons de couleurs subtiles.
Fortement influencée par le bouddhisme zen et le taoïsme, Martin a été très détachée du monde pendant la majeure partie de sa vie, vivant même au Nouveau-Mexique. À 40 ans, on lui a diagnostiqué une schizophrénie. "Back to the World" a été écrit au cours de sa 9e décennie de vie. A l'époque, elle était en maison de retraite. Les rayures bleues, pêche et jaunes continuaient à souligner l'exclusivité de l'art dans un monde plein de corruption, elle a donc réduit la taille de ses toiles pour avoir moins de difficultés avec elles.
Ellsworth Kelly, Rouge, Jaune, Bleu II (1953)
Le service pendant la Seconde Guerre mondiale a eu un impact clair sur Ellsworth Kelly. D'une certaine manière, il a été utilisé comme une observation de la nature et de l'architecture, puis il a été appliqué dans la pratique. Une étude minutieuse de l'abstraction par l'auteur et de son application dans ses œuvres a développé le minimalisme. La série de peintures "Rouge, Jaune, Bleu" a influencé la manière de peindre. Il a été créé dès que Kelly a découvert les possibilités infinies du spectre de couleurs monochromes, de l'aléatoire et de la composition multi-panneaux.
Red Yellow Blue II se compose de sept panneaux. Le panneau central noir est à la fois un panneau de séparation et trois panneaux de chaque côté. Des panneaux bleus aux extrémités accentuent la composition de Kelly. C'est cette œuvre qui est considérée comme l'une de ses meilleures œuvres, ainsi que la plus grande œuvre lors de son séjour à Paris.
Sol Levitt, Murs Peints
Sol Levitt a peint 1 350 murs en 40 ans de carrière, dont 3 500 installations sur 1 200 sites. Les dessins étaient complètement différents : des rayures droites appliquées avec de l'ardoise noire, aux lignes ondulées multicolores, aux formes géométriques monochromes et aux espaces lumineux peints à l'acrylique. L'auteur a rejeté l'importance traditionnelle de la propre main du créateur, lui permettant d'aider les autres dans la création de son œuvre d'art. Ses peintures murales ont pris les formes des espaces qu'elles occupaient, elles ont donc été soumises à une étude dans le domaine de l'architecture et de l'art.
Levitt est décédé en 2007, mais son travail continue de vivre, car l'esprit de l'artiste est ancré en eux. De nos jours, plusieurs artistes refusent de recréer ses peintures murales, leur permettant ainsi de décorer les murs du monde entier.
Judy Chicago, Rainbow Picket (1965)
Le Rainbow Picket est une installation de la taille d'une pièce. Il se compose de six trapèzes, de couleur et de longueur différentes. En plus de la première exposition personnelle à la Rolf Nelson Gallery de Los Angeles (janvier 1966), cette œuvre a été présentée dans l'exposition fondamentale "Basic Structures" au Jewish Museum.Clement Greenberg, critique renommé, a qualifié ce travail de meilleur dans ce domaine. En 2004, le Rainbow Picket a été reconstruit, et plus tard l'objet est devenu la marque de fabrique de LAMOCA « Minimalistic Future ? L'art comme objet (1958-1968)".
En créant des œuvres comme celle-ci, en testant les possibilités de la couleur avec ses motifs et schémas spatiaux faits maison, Judy Chicago est devenue célèbre en tant qu'innovatrice dans le genre minimaliste.
Dan Flavin, "Sans titre (d'après Harold Joachim) 3" (1977)
"Sans titre (d'après Harold Joachim) 3" est l'une des nombreuses œuvres de Dan Flavin. Il se compose de lampes LED et de clips métalliques. L'auteur a étudié les possibilités de la lumière fluorescente pendant trois décennies, réalisant son travail uniquement avec des matériaux disponibles dans le commerce. Ayant renoncé aux concepts de l'expressionnisme abstrait, Flavin a commencé à utiliser un tel équipement, puis l'a introduit dans le monde du grand art. À première vue, le travail semble être aussi simple que possible, mais si vous regardez de près, vous verrez une profonde sophistication du travail.
Les œuvres de Flavin ont tendance à dépasser l'espace dans lequel elles se situent, grâce aux jeux de lumière et à la variété des palettes de couleurs. Les objets permettent au spectateur de se baigner dans la lueur chaude des LED, créant une ambiance spécifique.
Eva Hesse, "Une œuvre sans nom (morceaux de corde)" (1970)
Eva Hesse est née en Allemagne. Nous la connaissons maintenant comme une sculptrice américaine innovante dans le travail du latex, de la fibre de verre et du plastique. Elle a jeté les bases du développement du post-minimalisme dans les années 60 du XXe siècle. L'auteur a exploré les propriétés des matériaux les plus simples à utiliser dans les illustrations pour beaucoup plus.
"The Nameless Work (Pieces of Rope)" a été créé en 1970, alors que Hesse était déjà au bord de la mort, et a été achevé avec l'aide de ses camarades. L'exposition est faite de latex tendu sur une corde, une ligne de pêche et du fil de fer et suspendu au plafond. Il simule un motif enchevêtré dans l'espace. Hesse s'est éloignée de la netteté traditionnelle du minimalisme, mais ses manières de présenter le matériel sont perçues à l'intérieur du genre.
Donald Judd, Travail sans titre (1980)
Donald Judd nie avec véhémence son lien avec le minimalisme. Malgré cela, il est l'un de ses pères fondateurs. Au début des années 60 du XXe siècle, l'auteur a découvert une certaine hostilité envers les valeurs artistiques européennes. Il s'est donc éloigné du travail de sculpteur et a commencé à créer des œuvres qui ne pouvaient être attribuées à aucune des sections de l'art ci-dessus. Son travail a également été exposé à Major Structures à New York.
Dans les années 1980, Judd a commencé à créer des étagères verticales suspendues. Un exemple de ceci est « œuvre sans titre » (1980). Jusqu'à présent, ce type de travail ne peut être attribué à la peinture. Pas une sculpture. l'œuvre est composée de 2 types de matériaux : aluminium et plexiglas. Ceci est fait pour que le spectateur réfléchisse à la nature contradictoire de l'art : les figures opaques et obsessionnelles du côté sont connectées aux profondeurs de l'espace devant.
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