TOP 25 des bandes dessinées que tout le monde doit lire

Avec tout l'héritage de l'industrie de la bande dessinée qui a fait son chemin à la télévision et au cinéma au cours de la dernière décennie, il peut facilement être tentant de s'immerger dans cette culture et de lire tout ce que vous pouvez atteindre. Cela peut être un problème car l'industrie de la bande dessinée sort des dizaines de nouveaux titres par semaine et des milliers par an. À cet égard, il devient presque impossible pour les débutants de comprendre par où commencer la lecture. Ce n'est qu'en de rares occasions que vous pouvez venir dans un magasin de bandes dessinées et acheter un épisode de Batman ou des Avengers sans avoir à savoir ce qui s'est passé avant et avoir une bonne compréhension de ce qui se passe en ce moment. Mais ne vous inquiétez pas, nous sommes là pour vous aider.

Collectionner des bandes dessinées ne doit pas être un deuxième travail pour vous au lieu d'un passe-temps passionnant. Et c'est pourquoi nous avons créé une liste de chefs-d'œuvre absolus sur toute l'histoire de l'industrie, couvrant tous les genres. Ce n'est pas une liste des "Meilleures bandes dessinées de tous les temps", mais plutôt un point de départ.

Des séries de super-héros classiques aux thrillers politiques et histoires d'horreur, cette liste de 25 bandes dessinées à lire absolument au cours de votre vie vous permettra de garder votre habitude dans la bonne direction. Alors quelle BD lire...

25. Punisher MAX

Par : Garth Ennis
Artiste : Divers

Dans le cadre de l'univers Marvel traditionnel, le Punisher a toujours risqué de devenir un héros d'action pour enfants typique avec des tonnes de gadgets sympas. Mais lorsque Marvel, avec l'aide de l'écrivain Garth Ennis, a finalement sorti la série Punisher MAX, le costume en latex et les personnages de soutien farfelus ont été remplacés par un arsenal destructeur et une attitude sociopathe cynique et limite envers les autres.

Dans cet épisode, un Frank Castle très âgé vit dans le monde réel, où il n'y a pas de super-héros, et les méchants sont des trafiquants d'êtres humains et des barons de la drogue. Au cours de 60 épisodes, le punisseur se fraie un chemin à travers d'innombrables criminels. Sa guerre personnelle contre le crime a paralysé sa psyché et n'a laissé aucune chance à une vie normale.

Ennis a créé un personnage incroyablement profond, qui jusqu'à présent n'était rien de plus qu'un cliché ambulant et parlant. Et bien que cette série soit considérée comme faisant partie du genre des super-héros, il s'agit plutôt d'un thriller sanglant.

24. J'ai tué Adolf Hitler

Auteur / Artiste : Jason

Parfois, les meilleures bandes dessinées sont les bandes dessinées les plus simples. La science-fiction et les voyages dans le temps, combinés à l'univers minimaliste de J'ai tué Adolf Hitler du dessinateur norvégien Jason, ont fait de lui l'une des meilleures séries de bandes dessinées du genre indépendant de la dernière décennie. Il s'agit d'un meurtrier du futur qui retourne dans le passé pour tuer Adolf Hitler avant qu'il ne dirige sa haine et sa cruauté contre le monde entier.

Naturellement, quelque chose s'est mal passé et par une malheureuse coïncidence des circonstances, Hitler a pu s'échapper dans notre monde moderne. L'intrigue élargie comprend également une petite histoire d'amour piquante sur le tueur et sa petite amie, qui apporte un peu d'humour doux et légèrement inhabituel à l'histoire.

Même si les illustrations et les dialogues sont assez simples, "J'ai tué Adolf Hitler" est une lecture plutôt extravagante et joyeuse.

23. Invisible

Par Grant Morrison
Artiste : Divers

Si vous voulez comprendre ce que Grant Morrison essayait vraiment d'exprimer dans ses Invisibles, vous devez tenir compte du fait qu'il a reçu la majeure partie de son inspiration après, à en juger par ses paroles, il a été enlevé par des extraterrestres de Katmandou et présenté avec des idées pour l'histoire. .

Je ne plaisante pas!

Le livre lui-même raconte l'histoire d'un groupe de personnes travaillant pour l'Invisible College, une organisation secrète luttant contre une race de dieux extraterrestres qui veulent arrêter l'évolution métaphysique de l'humanité en l'asservissant. Le mélange d'anarchie et de connotations existentielles avec des idées nobles et un délire incohérent sous acide fait des Invisibles Morrison l'œuvre la plus difficile à comprendre. Mais si vous la comprenez parfaitement, elle deviendra aussi la plus étonnante et la plus charmante. Eh bien, vraiment, comment ne pas aimer un livre consacré à un sujet aussi cher que l'invasion extraterrestre et en même temps prêter attention au sexe tantrique et à la consommation de drogue ?

Morrison est plus célèbre pour ses expériences avec des super-héros dans des séries comme Batman : Arkham Asylum et The New X-Men, mais c'est comme comparer Betty à Veronica. Et à la fin, quiconque aspire à explorer les recoins les plus sombres de la culture de la bande dessinée plonge dans ces eaux psychédéliques.

22. Daredevil : Né de nouveau

Par Frank Miller
Peintre : Dave Mazzukelli

Dans les lointaines années 1980, le casse-cou était déjà au bord de la mort. La forte baisse des ventes et l'indifférence générale envers le personnage ont pratiquement forcé Marvel à l'écarter. Avec l'arrivée de l'artiste Frank Miller, nommé scénariste en chef, Daredevil est devenu l'un des meilleurs romans de super-héros de ces 10 dernières années.

Après des difficultés initiales, Miller a repris le travail sur le livre en 1986, en commençant par la nouvelle "Born Again", dans laquelle la vie de Matt Murdoch est parfois en danger car Kingpin a appris que Matt Murdoch est en réalité "Daredevil". Son identité a été révélée par son ex-petite amie, Karen Page, qui, dans le style typique de Miller, est devenue une actrice pornographique accro.

Cette histoire a finalement brisé Daredevil, ne lui laissant que beaucoup de fractures et de culpabilité chrétienne. Au fur et à mesure que l'histoire se déroule, Murdoc se tire de son propre enfer et met de l'ordre dans sa ville.

Millersky Daredevil regorge de véritables tragédies grecques ainsi que d'explosions et de costumes en latex. En termes simples, il s'agit de la plus grande histoire de Marvel à un seul héros.

21. Légendes

Par Bill Willingham
Peintre : Mark Buckingham et autres

Beaucoup craignaient que le studio Vertigo ne puisse pas tenir la barre qu'ils s'étaient fixée dans les années 2000, grâce à 20 ans d'activité créative persistante. Les incroyables Contes de Bill Willingham ont prouvé que si votre éditeur vous demande l'impossible, quelle que soit la bande dessinée sur laquelle vous travaillez, ce sera un chef-d'œuvre prêt à conquérir les rayons des magasins.

"Tales" raconte les héros de contes de fées sur lesquels nous avons tous grandi. Comme Blanche-Neige, Pinocchio, Cendrillon, piégés dans le monde réel. Ils vivent en secret dans une communauté appelée City of Fairy Tales dans l'ouest de Manhattan. Alors que certaines histoires tournent autour d'événements et d'aventures mystérieux, Willingham nous donne également un aperçu de l'arène politique de la ville des contes de fées, montrant aux lecteurs comment les personnages de contes de fées font des tentatives futiles pour créer leur propre gouvernement. Cette approche a aidé "Tales" à dépasser le genre fantastique ordinaire et à devenir quelque chose de beaucoup plus complexe qu'un conte de fées ordinaire.

Pour résumer, je tiens à remercier l'auteur pour les personnages passionnants, un monde complexe et détaillé, dans lequel beaucoup d'attention est portée aux détails et au drame. Les "contes" ont su sortir de l'ombre des contes de fées traditionnels et créer leur propre mythologie.

20. Y : Le dernier homme

Par Brian Vaughn
Peintre : Pia Guerra et autres

L'un des titres les plus réussis de Vertigo depuis le Sandman était The Last Man de Brian Vaughn et Pia Guerra. Sorti en 2002, cette histoire raconte l'histoire d'un homme nommé Yorick Brown, le dernier homme à avoir survécu à une mystérieuse peste qui a anéanti toute la population masculine sur Terre.Resté seul, avec son singe apprivoisé, Ampersant, Yorick entreprend un voyage, essayant de trouver les origines de la peste et de comprendre pourquoi il a survécu. Ce livre de Brian Vaughn n'a pas d'intrigue prolongée ou imprévisible, mais se concentre plutôt sur la personnalité de Yorick lui-même. Avec les bandes dessinées en série, nous ne voyons pas souvent des personnages mûrir et mûrir. Ils ne changent souvent pas. Y : The Last Man était initialement prévu comme un récit complet. Plus de 70 épisodes de l'aventure de Yorick sont garantis pour vous divertir.

L'humour, la tristesse et l'anxiété accompagneront tous Yorick dans sa quête pour en savoir plus sur la peste et retrouver sa petite amie, Beth. En raison du fait que Vaughn a vu son histoire complètement terminée, il s'est assuré, grâce à une planification minutieuse, qu'elle sorte dans son intégralité, au lieu de devenir simplement un arc narratif sans direction spécifique.

19. Os

Auteur / Artiste : Jeff Smith

Ce que Jeff Smith a fait pour la série pour tous les âges de Bone était sans précédent. Avec son art simple et ses dialogues simples, Smith a créé une fantaisie épique dans l'esprit de Tolkien, racontant une histoire typique des errances du protagoniste, mais le faisant de telle manière qu'il pourrait faire honte à Joseph Campbell.

L'histoire commence lorsque les cousins de Bone - Fone Bone, Fony Bone et Smiley Bone - sont exilés de leur ville, Boneville. À partir de ce moment, ils sont impliqués dans des événements qui les mèneront par la suite d'un exil humiliant à une bataille avec le Seigneur Locuste lui-même, un grand mal, rappelant fortement Sauron du Seigneur des Anneaux.

L'énorme succès de Bone est une preuve supplémentaire que vous n'avez pas besoin de sexe et de violence pour vendre des livres. Smith vient de faire une histoire bien pensée. Sans prétention, mais tellement riche en même temps.

18. Blague meurtrière

Par Alan Moore
Peintre : Brian Bolland

Depuis les années 1980, il est difficile de trouver un auteur aussi prolifique qu'Alan Moore. Bien qu'il ne se fasse pas un nom avec des œuvres originales comme V pour Vendetta et The Guardians, il a également participé à de grandes séries de super-héros de DC comme Superman, Green Arrow et Vigilante. Il a travaillé sur Batman, mais néanmoins, il a radicalement changé non seulement Batman et Joker, mais toute l'industrie dans son ensemble.

Dans The Killing Joke, Moore a exploré la relation entre Batman et son ennemi le plus célèbre, le Joker, d'une manière qui indique clairement quelle est pratiquement chaque interprétation de la relation entre les deux héros. L'intrigue se déroule assez simplement : le Joker s'échappe de l'asile d'Arkham et kidnappe le commissaire Gordon afin d'attirer Batman dans un piège dans un parc d'attractions abandonné.

Au fur et à mesure que l'histoire se déroule, le Joker commet peut-être le pire crime que nous ayons vu dans la bande dessinée auparavant : il tire sur la fille de Gordon, Barabara, également connue sous le nom de Batgirl, dans le ventre et la paralyse complètement de la taille aux pieds. En racontant l'histoire, Moore l'a légèrement pimentée avec l'histoire de l'ascension du Joker pour nous faire comprendre comment une personne apparemment adéquate peut se transformer en un tueur en série psychopathe.

Moore équilibre la soif d'atrocités du Joker avec l'approche froide et logique de Batman envers la loi et l'ordre. Mais à mesure que ses crimes empirent, même le chevalier noir a tendance à laisser libre cours à sa colère. Cette histoire appuie constamment sur le point sensible jusqu'à ce qu'il devienne d'abord une abrasion, puis un abcès, puis se transforme en plaie ouverte.

C'est l'équivalent des sept parties de The Dark Knight, et je doute que nous verrons jamais une histoire de Batman aussi psychologiquement profonde que celle-ci.

17. Voyageur d'un jour

Par Fabio Moon et Gabriel Ba
Peintre : Gabriel Ba

Même si le Day Traveller est sorti assez récemment, il est impossible d'ignorer ce chef-d'œuvre absolu. Chacun des 10 numéros de Vertigo commence par une description de moments importants de différentes sphères de la vie de l'écrivain nécrologique Braça de Oliva Domingos, dont chacun conduit à sa mort subite. Cependant, dans le prochain numéro, il ignore complètement qu'il était en train de mourir plus tôt, et nous pouvons observer sa routine quotidienne tout au long de l'épisode.

Un concept aussi étrange, inventé par Fabio Moon et Gabriel Ba, ne semble pas du tout être un gadget bon marché. Ce livre est une réflexion sur la vie, la mort et comment chaque instant, qu'il soit triste ou drôle, peut être le dernier en un clin d'œil. Le voyageur d'un jour vérifie tout ce qui nous est cher, attire notre attention sur l'inéluctabilité de la mort et nous apprend à ne pas vivre sans but au quotidien.

Moon et Ba ont insufflé une beauté et une tristesse presque poétiques à chaque page de leur création, faisant de The Day's Traveler l'une des pièces les plus réussies du réalisme magique. En combinant des moments de vrai bonheur avec des moments qui peuvent briser votre cœur, vous pouvez ressentir toutes les émotions qu'une bande dessinée peut, en principe, évoquer pendant que vous lisez cette pièce.

16. La ville du péché

Auteur / Artiste : Frank Miller

Vous avez probablement déjà regardé le film, mais croyez-moi, Sin City est plus qu'un simple film. Le monde sanglant néo-noir de la violence et du trafic de drogue de Frank Miller est l'un des plus vastes et des plus détaillés de la bande dessinée. Le dessin en noir et blanc du livre ressemble à des histoires bon marché des années 40, mais Miller réfute facilement cela.

Ses dialogues durs respirent la testostérone, tandis que les monologues intérieurs de ses personnages soulignent leur angoisse et leur souffrance, ce qui convient parfaitement à l'environnement. Tout le monde connaît des personnages comme Marv, Nancy et Dwight du film, mais ils ont vraiment pris vie dans les bandes dessinées.

Combinant minimalisme et espace négatif dans son propre style, Miller's Sin City semble quitter les pages. Dans la bande dessinée moderne, ce style visuel n'est plus utilisé.

15. Superman : toutes les étoiles

Par Grant Morrison
Peintre : Frank Quightley

Après une tentative infructueuse de ramener l'homme d'acier à ses racines, DC a engagé Grant Morrison pour écrire Superman : All Stars. Mélangeant poésie, nostalgie et action à succès, Morrison a transformé All Stars en une lettre d'amour au plus grand super-héros du monde.

L'intrigue raconte l'histoire d'un surhomme mourant qui essaie de passer le plus de jours possible sur Terre. Tout au long de 12 numéros, il accomplit des exploits incroyables, faisant preuve d'une force et d'une intelligence incroyables, avoue ses sentiments pour Lois Lane, guérit toutes les maladies terrestres, combat ses pires ennemis et sauve la planète. Tout pour nous rappeler pourquoi il est l'un des plus grands héros, même après 100 ans.

Morrison y est parvenu grâce au grand art de Frank Quightley. Quightley a équilibré la vision classique d'un super-héros avec le romantisme total de chaque page de la bande dessinée, donnant un point faible au mystérieux gars au menton carré. Son art a changé à jamais la façon dont nous voyons Superman et son monde.

Malgré le fait que le personnage soit apparu en 1938, aucun écrivain avant Morrison n'a pu incarner toute sa grandeur dans une seule histoire. Qu'il s'agisse de voyager dans l'espace, de combattre le monde de Bizzaro ou de visiter un service avec des enfants atteints de cancer, Superman n'était pas si génial.

14. X-Men : les dieux aiment, les gens détruisent

Par Chris Clairmont
Peintre : Brant Andersen

Il existe une myriade de bandes dessinées X-Men que nous pourrions inclure sur cette liste, mais si vous en recherchez une qui exprime l'idée de toute la franchise, c'est la meilleure solution.

L'histoire tourne autour d'un prédicateur nommé William Stryker qui a tenté de mener une guerre sainte contre tous les mutants, peu importe combien de sang il doit verser.

Cet épisode est une merveilleuse combinaison de critique sociale et d'action de super-héros. Et c'est certainement le meilleur travail de Claremont depuis la sortie du légendaire X-Men. En 2003, cette bande dessinée est entrée dans l'histoire, avec la sortie du film "X-Men", qui a absorbé une grande partie de son histoire. Mais le matériel source présenté dans les bandes dessinées est beaucoup plus profond et plus conforme au style général de narration.

Il est impossible de regarder la scène d'ouverture lorsque plusieurs fanatiques de Stryker tuent 2 jeunes mutants. Et pendre leurs cadavres dans le jardin de l'école. Des scènes horribles comme celle-ci placent cette version de X-Men sur cette liste. Contrairement à d'autres séries plus célèbres telles que The Dark Phoenix Saga et Days of Future Past, qui conviennent mieux aux personnes qui aiment la bande dessinée depuis longtemps, ce numéro sera un excellent choix pour tout le monde.

13. Chose des marais

Par Alan Moore
Peintre : Stephen Bisset

Avant qu'Alan Moore ne commence à travailler sur Swamp Thing en 1983, ce personnage était un monstre cliché d'un livre de monstres que DC a toujours ignoré pour sa série de super-héros. Mark a contribué au développement de The Beast en introduisant des idées qui étaient en partie existentielles, en partie postmodernes, et pourtant complètement uniques aux bandes dessinées américaines typiques.

Au lieu de faire une histoire de monstre typique, Moore a transformé Swamp Thing en une histoire pleine de paroles et de beauté uniques, donnant pratiquement une nouvelle vie à un projet mourant. Cette beauté était contrebalancée par des éléments d'horreur et de mysticisme, qui donnaient au livre un caractère plus adulte. Du coup, le succès assourdissant de l'univers Vertigo s'est rapproché.

Qu'y a-t-il de si inhabituel à propos de Swamp Thing de Moore, même s'il n'a jamais été un écrivain de bandes dessinées régulier? Une exposition incroyablement détaillée et des scènes d'action époustouflantes ont été remplacées par des réflexions métaphoriques et profondes sur l'équilibre entre l'homme et la nature. Avec un groupe d'artistes qui ont donné vie au cauchemar de Moore, Swamp Thing est le livre qui a ramené les adultes à la bande dessinée.

12. Comté d'Essex

Auteur / Artiste : Jeff Lemire

Sans super-pouvoirs ni éléments fantastiques, le comté d'Essex de Jeff Lemyre est un drame réaliste sur une petite ville canadienne et une famille qui y vit. Ce développement complexe de la personnalité du héros est plus typique des films indépendants que des bandes dessinées. Lemir a clairement montré pourquoi cette histoire ne peut être racontée que dans ce format et pas dans un autre.

Ce sont des histoires de rivalité entre frères, de problèmes de pères, d'amour perdu et de compassion, avec lesquelles Lemir relie à première vue la vie de personnages apparemment sans rapport dans une longue histoire sur de vrais sentiments humains.

Aussi chaleureuse que moralement dévastatrice, pleine de moments tristes, cette histoire vous fera pleurer tout au long de l'histoire. Et aussi sombre que cela puisse paraître, Essex est une œuvre riche, vibrante et vivante.

11. Miracle

Auteur : Kurt Bucek
Peintre : Alex Ross

Contrairement à DC, qui a créé l'univers Vertigo, ou, par exemple, Image et Dark Horse, qui sortent tous les mois des comics, Marvel s'est rarement éloigné du genre super-héros. Tout s'est bien passé et les écrivains de la soi-disant « Maison des idées » sont progressivement devenus les maîtres d'un héroïsme ostentatoire et exagéré. L'entreprise a atteint son point culminant de créativité en 1994 lorsque les bandes dessinées de Marvel ont inondé les étagères des magasins.

La bande dessinée offre un aperçu des moments les plus mémorables de l'histoire de Marvel à travers les yeux du photojournaliste Phil Sheldon. Voyez vos personnages préférés à travers les yeux d'une personne ordinaire, pour qui ils ressemblent plus à des dieux qu'à de simples héros de bandes dessinées. C'était une idée originale, mais aussi bon que soit le scénario de Buceick, cela n'aurait pas fonctionné si les artistes n'avaient pas fait leur travail.

Grâce à Alex Ross, qui a peint chaque page, les personnages ont acquis un mystère particulier. Les lecteurs voient Spiderman combattre le lutin vert, les Fantastic Four combattre Galactus et les X-Men s'ouvrir au grand public dans un style photoréaliste. Imaginez un croisement entre le style de Jack Kirby et Norman Rockwell. En vérité, les héros de Marvel n'ont jamais été aussi beaux.

10. John Constantine : Messager de l'Enfer

Scénaristes : Divers dont Jamie Delano, Garth Ennis et Peter Milligan
Artistes : Divers

Après plusieurs scènes à succès avec John Constantine dans Swamp Thing d'Alan Moore dans les années 1980, DC en 1988 a finalement donné à John Constantine sa propre bande dessinée intitulée Hell's Messenger. C'est d'ailleurs la seule bande dessinée de cette liste, où les artistes et les écrivains changent constamment. Mais peu importe qui y a travaillé, Hell's Messenger reste l'un des exemples les plus célèbres du travail sombre et mature de l'univers de Vertigo.

Le pic de l'activité créative est tombé sur des écrivains tels que Garth Ennis, Jamie Delano et Peter Milligan. Chacun d'eux a habilement combiné un récit étrange avec la révélation de la personnalité de Constantine. "Messenger of Hell" aborde une histoire inhabituelle sur une personne apparemment ordinaire vivant dans un monde où règnent des forces surnaturelles, se battant constamment avec lesquelles il se retrouve progressivement. L'idée principale de ce travail est que n'importe qui peut devenir un héros, même s'il a tout un tas de défauts.

La série s'est terminée au numéro 300, devenant la plus longue de l'histoire de l'univers Vertigo. Si vous ne voulez pas trop lire, alors pour en saisir l'essence, il vous suffira de lire des questions telles que : "Le péché originel", "Family Man", "Dangerous Habits" (qui a été utilisé dans le film en 2005) et "Persécuté".

9. Splendeur américaine

Auteur : Harvey Picard
Artistes : Robert Crumb, Gary Damm, Kevin Brown, etc.

Le monde de la bande dessinée underground est si vaste que nous ne pouvons qu'en faire une autre liste. Quiconque se penche sur ce petit coin d'une énorme industrie devrait certainement commencer par American Splendor de Harvey Picard. Cette bande dessinée est un instantané de la vie de Picard en tant qu'employé d'hôpital et se concentre sur sa personnalité et ses relations professionnelles, ainsi que sur les phobies et les névroses.

Cette série de bandes dessinées dépeint le monde d'un point de vue plutôt cynique. Il n'y a pas de romantisme que les gens essaient généralement de nous enfoncer dans la gorge, nous voyons beaucoup plus souvent Pekar essayer de faire face à la routine quotidienne habituelle. Des événements mineurs, comme aller au magasin, prendre le bus, deviennent des histoires incroyablement excitantes sur le monde réel et sur la façon dont une seule personne essaie de trouver sa place dans cet immense système. Et vous trouverez sûrement quelque chose de proche de vous dans Pekar et ses soucis.

8. Monde fantôme

Auteur / Artiste : Dan Cloves

Phantom World est sorti au meilleur moment pour lui. En 1993, la culture populaire américaine était submergée par des adolescents fatigués écoutant du punk et, curieusement, de la musique populaire. La bande dessinée montre magnifiquement cette époque.

Au centre du récit se trouvent 2 filles : Rebecca et Enid, qui passent le plus clair de leur temps à se promener et à se moquer de la société. Leur indifférence envers tout le monde est associée au souci de leur avenir et à la peur d'être blessé par la jeunesse cynique de l'époque. Le problème soulevé par Cloves est si fondamental que même nous, qui avons passé avec bonheur le coucher du soleil de la génération X, pouvons encore aujourd'hui apprendre beaucoup par nous-mêmes dans son histoire.

Cloves défie le mercantilisme et la culture à travers Enid, cherchant à trouver le but et le sens caché derrière tout dans cette vie. Comme nous l'apprenons avec le temps, les réponses à ces questions n'apportent généralement pas les résultats escomptés, mais heureusement, Clove présente cette histoire avec une bonne dose d'humour et de chaleur, ce qui est son principal avantage.

7. V est pour la vendetta

Par Alan Moore
Peintre : David Lloyd

Depuis sa parution en 1983, V pour Vendetta est sorti sur grand écran (2005) et est devenu un symbole du mouvement de protestation Occupy Wall Street. Lorsque la bande dessinée est sortie pour la première fois, il ne pouvait même pas rêver d'une telle renommée. Rappelant la combinaison de Batman et 1984, V pour Vendetta a tourné son regard impitoyable vers un gouvernement tout-puissant et un héros solitaire essayant de mettre fin à son hégémonie. Au centre de tout cela se trouve le V sans visage, portant le masque désormais populaire de Guy Fawkes.

V est une lecture intellectuelle avec des allusions profondes et une critique sociale. Alan Moore fait des commentaires caustiques sur le gouvernement oppressif décrit dans son histoire, et il peut être difficile de s'abstenir de faire des parallèles avec le travail d'Orwell ou de Huxley. Et tandis que le protagoniste V commet des crimes, il y a un certain esprit de super-héros dans le roman. Cependant, Moore n'a jamais transformé l'histoire en un ensemble de scènes pleines d'action en images. C'est une histoire sur une intrigue et un héros, et elle se déroule plus comme une nouvelle que comme un film.

6. Transmétropolitaine

Par Warren Ellis
Peintre : Daric Robertson

Transmetropolitan de Warren Ellis a fait ses débuts sous la marque Helix avec le mélange sardonique de satire politique et de science-fiction que les fidèles lecteurs de telles œuvres chérissent tant. Suite aux aventures d'un gonzo addict et journaliste misanthrope nommé Spider Jerusalem, les fans de BD les plus cyniques ont fait de ce livre le manifeste de leur vie. À l'époque, il était rare de trouver des discussions sur l'athéisme ou le sexe dans les pages de publications telles que DC. Le Transmétropolitain a pourtant tourné à plein régime.

Plus de 60 problèmes, Jérusalem et ses assistants sales déploient une campagne massive pour mettre fin à la corruption politique, à l'injustice sociale et à d'autres problèmes qui, selon eux, méritent d'être éradiqués. L'histoire s'est poursuivie comme d'habitude et Jérusalem a commencé à se livrer à divers « exploits sexuels » et autres obscénités sociales, qui feront rougir de honte même les lecteurs avisés. L'innovation d'Ellis était également un modèle pervers de la terre du futur, embourbé dans la pornographie, le consumérisme exagéré et empoisonné par la technologie omniprésente de l'IA intelligente (Household Utensils High on Drugs).

Cela vaut la peine d'être lu pour la seule démagogie ludique et maniaque. Néanmoins, Ellis s'est élevé au-dessus des blagues sales pour faire une satire digne, qui est maintenant plus demandée, car notre monde se transforme en une corne d'abondance, d'où la corruption et la folie collective se déversent. Transmetropolitan est comme l'enfant de la culture pop de Hunter S. Thompson, Phillip K. Dick et Kurt Vonnegut.

5. Prédicateur

Par : Garth Ennis
Peintre : Steve Dillon

Vertigo a été responsable d'un travail incroyablement créatif qui défie le courant dominant. Mais aucun d'entre eux n'était aussi blasphématoire que "The Preacher" de Garth Ennis. Le personnage principal de cette bande dessinée est le prédicateur Jesse Caster, qui vit dans une petite ville du Texas appelée Annville. Au tout début de l'histoire, une créature connue sous le nom de Genesis infiltre Castor, qui tue progressivement tous ses paroissiens et dote le héros de pouvoirs surnaturels. La Genèse, qui est le fruit de l'amour d'un ange et d'un démon, possédait Caster et lui donna un pouvoir incroyable, avec lequel il est pratiquement égal à Dieu lui-même.

Caster part en voyage afin de trouver ce même Dieu qui a quitté le paradis après la naissance de la Genèse. Il voyage avec son ex-petite amie qui est aussi un assassin professionnel, Tulip O'Hara et un vampire irlandais qui boit toujours, Cassidy. Grâce à cette trinité, la bacchanale blasphématoire ne s'arrête pas une minute. Pendant plus de 66 numéros, Ennis a présenté des personnages étranges tels que The Butt, Jesus De Sade et la mamie folle de Caster, Mary L'Angel, qui vous emmènera sûrement au cœur.

Il s'agit d'une bande dessinée brutale de scènes de sexe, de violence et de critique sociale, enveloppée dans une couverture originale et provocante. Honnêtement, nous ne pouvons même pas imaginer quelque chose comme ça sur les étagères des magasins maintenant, étant donné à quel point les grands éditeurs sont devenus fidèles à la société.

4. Le retour du chevalier noir

Scénariste / Peintre : Frank Miller

Avant que Frank Miller ne publie The Dark Knight Returns en 1986, la plupart des gens ne connaissaient Batman que depuis son émission télévisée anniversaire de 1960. Malgré le retour de la bande dessinée à ses racines sombres au début des années 70, les gens ne pouvaient s'empêcher de regarder la scène étrange d'Adam West exécutant la danse Batusi dans un pyjama gris bon marché sans frémir. Heureusement, tout a changé à la sortie de ce livre.

Miller allait "Give Batman Back His Balls", comme il l'a si éloquemment dit. Dans cette histoire, Bruce Wayne a déjà 50 ans et il a renoncé à l'image de Batman plusieurs années avant que les super-héros ne soient interdits. Après avoir vu que sa ville est littéralement déchirée par un nouveau gang connu sous le nom de Mutants, il enfile sa cape et son masque pour la croisade finale.

Miller a pris toute sa technologie et ses gadgets à Batman, faisant de lui le centre d'une masse massive de rage. Il n'est plus un héros noble, mais plutôt un vieil homme torturé qui veut mourir et est fortement obsédé par le crime. Il n'y a pas de place pour la sentimentalité dans le script fraîchement enveloppé et le style de peinture néo-noir de Miller, et le monde de Batman se transforme en un endroit vraiment sombre. Même de terribles batailles contre des ennemis comme le Joker ou Superman, essentiellement un pion entre les mains du gouvernement américain, se terminent de manière brutale, ignorant l'expérience des escarmouches les plus imprudentes d'antan.

Comme dans toutes ses autres œuvres créées au fil des ans, dans Le retour du chevalier noir, le croisé libéré voit le monde à travers le prisme d'une personne bien informée sur la violence et la corruption. Il n'y a rien d'amical ou de réconfortant dans ce livre, mais c'est pour une raison quelconque le concept de création de nouvelles bandes dessinées sur le chevalier noir.

3. Homme de sable

Scénariste : Neil Gaiman
Artistes : Divers

Les bandes dessinées n'ont pas à se plier aux souhaits de la majorité. Dans les années 80, les adolescents cachaient ces bandes dessinées sous le matelas loin de leurs parents. Maintenant que les entreprises ont commencé à expérimenter différents genres, rendant leurs œuvres plus matures, les bandes dessinées ont progressivement commencé à attirer l'attention d'un public croissant. En fin de compte, dans certains cercles, ils sont désormais perçus comme de la bonne littérature moderne. Et le livre qui a initié ce saut était "The Sandman" de Neil Gaiman.

En mettant l'accent sur Morpheus, le seigneur des rêves semblable à un dieu, The Sandman présente au lecteur un récit complexe de héros à la fois divins et vulnérables. Resté seul avec ses frères et sœurs (Mort, Folie, Destruction, Désespoir et Désir), Sleep (le surnom de Morpheus) voyage à travers différentes dimensions et époques, il explore la perception de la réalité par l'homme.

Gaiman est convaincu qu'il n'y a pas deux histoires identiques. L'un pourrait arriver à Shakespeare, tandis que l'autre, au cœur même de l'enfer. Avec ses allusions littéraires et sa poésie rythmée, The Sandman ne ressemblait à rien de ce que l'industrie de la bande dessinée avait vu ou verrait jamais.Ce grand art a été créé par l'homme qui a bouleversé toute l'industrie de la bande dessinée.

2. Gardiens

Scénariste : Alan Moore
Peintre : Dave Gibbons

Oui, nous sommes presque sûrs que tout le monde a entendu parler de The Guardians puisque le film est sorti en 2009, mais à notre avis il n'y a pas de raison évidente de ne pas prendre une habitude utile : ne pas acheter de BD sans lire la série originale.

Quand Alan Moore et Dave Gibbons ont lancé cette série de 12 numéros sous l'égide de DC, personne dans le grand public n'avait jamais fait une histoire aussi audacieuse, complexe et brutale. Il a repris l'idée des super-héros et l'a changée pour toujours, imaginant ce que ce serait de posséder ces personnages hauts en couleur les mêmes défauts dont souffrent les gens ordinaires.

La déconstruction du genre apparaît littéralement dès les premières pages, où l'on voit que le héros populaire connu sous le nom de Comédien a été jeté par la fenêtre de son appartement en hauteur. Après cette scène, Moore nous envoie à la recherche des causes de sa mort et plonge le lecteur dans un monde insolite dans lequel vivent ses personnages.

Sur notre chemin, nous rencontrerons des héros tels que le gros impuissant, le Night Owl, le sociopathe Rorschach, le dieu Docteur Manhattan, le Silk Ghost émotionnellement instable et le narcissique Ozymandis. Ce mélange d'émeute, de criminels et de faux humanisme est combiné au désespoir et au chaos créés par Moore. Dans les Gardiens, les femmes et les hommes en costume sont tout aussi dangereux que les ennemis qu'ils combattent.

Ce chef-d'œuvre de Moore est plein de métaphores, de symbolisme et de sophistication littéraire, ce qui fait de son travail plus qu'une simple histoire de super-héros. De plus, cette histoire peut être une excellente option pour les personnes à la recherche d'une longue histoire captivante. Le Saint Graal de la culture de la bande dessinée a atteint son apogée en 2005 lorsque le Times l'a nommé l'un des 100 plus grands écrits en anglais du 20e siècle.

1. Souris

Ecrivain / Peintre : Art Spiegelman

À l'heure actuelle, la plupart des gens connaissent l'étonnante bande dessinée sur l'Holocauste d'Art Spiegelman. Mais pour tout le monde, ce n'est pas seulement le meilleur comédien que vous aurez jamais besoin de lire dans votre vie, c'est une œuvre d'art qui est inestimable et mérite d'être vécue.

Prenant comme base l'histoire de la vie de son père (un juif polonais qui a survécu dans un camp de concentration), Spiegelman s'est fait connaître pendant la Seconde Guerre mondiale en décrivant les personnages de ses bandes dessinées sous la forme d'animaux. Ainsi, les Juifs sont représentés comme des souris, les Allemands comme des chats, les Britanniques comme des dauphins, les Polonais non juifs comme des cochons et les Américains comme des chiens. Ce choix d'animaux n'est pas qu'un caprice de l'auteur. Chacun a été soigneusement conçu pour ajouter de la profondeur à chacun de ces segments de la population.

Que vous soyez d'accord ou non avec ce point de vue, l'intérêt de Spiegelman pour un tel choix ne peut être contesté. Bien qu'à première vue, ces animaux semblent caricaturaux, ils ne sont conçus que pour égayer l'histoire, pleine d'adversité et de tentatives de survie, créée par eux.

L'histoire est basée sur l'histoire du père de Spiegelman, Vladek, et de sa première femme Anya. C'est l'histoire la plus déchirante de l'Holocauste, dans laquelle l'auteur ne ménage aucun effort pour parler du danger de mort qui pèse sur sa vie depuis l'époque de "Nuit et brouillard", qui donne cependant une description assez crue de cet endroit le plus sombre. dans l'histoire humaine.

Au fil des ans, Mouse a balayé l'étiquette de la bande dessinée. Il fait maintenant partie du programme d'études collégial et figure souvent sur les listes des meilleurs du 20e siècle. Si vous avez le moindre intérêt pour la bande dessinée ou l'histoire du monde, vous devez lire ceci.